981 Heritage

Artistas

Scott Matthew

Scott Matthew

Aunque nacido en Queensland (Australia), ha desarrollado casi toda su carrera en Nueva York, adonde se trasladó en 1997. Allí, y hasta su homónimo LP de debut, que apareció en 2008, fue curtiéndose y haciéndose un nombre en el mundo alternativo, sobre todo como cantante de la formación Elva Snow -entre 2001 y 2006-, que montó con Spencer Cobrin, ex componente de la banda de Morrissey. Esa y otras mlitancias (en Songs To Drink y Drive By) las fue combinando con la composición e interpretación de temas para bandas sonoras, lo que le fue dando a conocer más allá del submundo, tanto en Estados Unidos como en Japón. Pero él quería una carrera a su nombre escrito y por eso en su primer álbum ya se volcó, mostrando que tenía cartas ganadoras: unas canciones melancólicas, de elegancia con enigma, y una voz de las que estremecen, con un punto andrógino. Seducía acompañado del tintineo de un piano, de un ukelele discreto o de instrumentos de viento que solo sugerían. Al año siguiente siguiente subrayó el golpe con “There Is An Ocean That Divides” (2009), que contenía aún mayor dosis de acordes menores y melancolía. Las comparaciones empezaron a caer: que si un David Bowie unisex por la voz, que si Antony Hegarty por lo demás (la intimidad, los arreglos, las melodías, las atmósferas, las canciones sobre la soledad y su resolución...). Cuando Scott teloneó a Antony aquel año esa unión se hizo carne mediática. Y la comparación, inevitable. Así siguió cuando sacó “Gallantry's Favorite” (2011) y “Unlearned” (2013) -este, de versiones-, mientras en paralelo el prestigio de sus directos crecía: son aquelarres emocionales donde cada sílaba conta y se canta con intención. En marzo de 2015 publicará su quinto LP, aún sin título.

Godflesh

Godflesh

Procedentes de la compacta escena de metal/grindcore que surgió en Birmingham, Inglaterra, en 1988, Godflesh abrió rápidamente su propio camino con Streetcleaner y Pure, dos álbumes que detonaron el género y que ejercieron una inmensa influencia en una nueva hornada de grupos que buscaban combinar la contundencia del metal, los beats programados que emulaban los ritmos del primer hip hop y las atmósferas sonoras del punk. Tras su separación en 2002, Broadrick formó Jesu, la aclamada banda de shoegaze-metal. Godflesh se reunieron en 2009 para tocar en una serie de gloriosas apariciones en festivales y en conciertos que agotaron las entradas mientras trabajaban en el nuevo material para próximos discos.

En octubre de 2014 lanzaron su muy esperado larga duración A World Lit Only By Fire en Avalanche Recordings tras el EP June’s Decline And Fall, receptor de elogiosas críticas por la síntesis del sonido de los dos primeros álbumes del grupo que tantos seguidores les granjeó. Si el EP ha colmado las expectativas de los fans, el nuevo disco las supera gracias a una potente exploración sónica que trasciende los límites de lo que Godflesh nos tienen acostumbrados.

Boreals

Boreals

Demostrando que los pasajes etéreos no están reñidos con la épica y la emotividad, la música de Boreals fluye entre el ambient electrónico, la IDM, y el post-rock orgánico dando como resultado una de las propuestas más excitantes de la escena actual. Sus trabajos “Rome”, “Grecia” y “Antípodas” muestran una claridad de ideas y una variedad de recursos sorprendente para una joven banda. De las bases evocadoras de Boards of Canada al éxtasis ruidista de Fuck Buttons, y pasando por las progresiones de guitarra de Mogwai, Boreals sabe beber de sus influencias a la vez que imprime un sonido totalmente personal y distintivo.

Ocellot

Boreals

Ocellot es una banda muy activa dentro del panorama actual, y su discografía cuenta con un primer EP homónimo, un cassete y un Split con Sun Color (2012). El primer álbum, “Molsa Molsa” (Famèlic Rds, 2013), supuso un paso adelante en su carrera como banda. En la actualidad, la música de Ocellot ha evolucionado de su devoción por el barroquismo psicodélico pop de los sesenta a unas composiciones que a pesar de conservar algunos elementos característicos, prefiere abrirse a otros universos sonoros mucho más ámplios y actuales. La música de Ocellot en esta nueva etapa adquiere un activo mucho más bailable y de fusión con géneros vinculados al entorno psicodélico, como la fusión con elementos de la música dub o africana, por citar algunos ejemplos. Estarán en el 981Heritage SON Estrella Galicia presentando su segundo disco "Jelly Beat", que se publicará en Mayo del 2015 por Foehn records.

Rodrigo Amarante

Rodrigo Amarante

'Cavalo' es el debut en solitario de Rodrigo Amarante. Miembro de la banda en directo de Devendra Banhart, fundador del combo 'Little Joy' con el batería de The Strokes Fabrizio Moretti y Binki Shapiro, miembro activo de Orquestra Imperial, un grupo pop carioca cuyo objetivo es recrear la típica Gafiera Samba con Moreno Veloso, Domenico y Kassin e innumerables colaboradores como el mítico percusionista Wilson Das Neves y sobre todo miembro fundador de uno de los grupos brasileños más importantes de la pasada década 'Los Hermanos', cuyos dos de sus álbumes figuran entre los cien mejores de la musica brasileira de la historia y que alcanzaron ventas millonarias.

El debut de este experimentado treintañero se publicó en Brasil a finales del pasado año pero es ahora cuando se publica en el resto del mundo. Un viaje valiente, sincero y muy personal que relata su exilio desde hace seis años en Los Ángeles. 'Cavalo' irradia vibraciones del West Coast, brumoso y cristalino y sus once excelentes canciones son un crisol de tempos, estilos, idiomas e instrumentaciones. Desde la apertura con el sonambulo 'Nada Em Vao' a la psicodelía de 'Hourglass', de la folktrónica en francés de 'Mon Nom' al ambiente celestial de 'The Ribbon'.

Rodrigo rebosa sinceridad de la misma manera que David Crosby, Bon Iver o Cat Power. En el exilio californiano Rodrigo se encontró a si mismo en una especie de desierto, feliz de estar solo, sobrecogido por el silencio y el vacio. Este ambiente queda perfectamente reflejado en las canciones y su resultado final.

Sun Araw

Sun Araw

Sun Araw es Venice Beach vista desde un caleidoscopio con un daiquiri de peyote y narcóticos. Un carminazo pero con sol, reverb y todo lo bueno de África a la vez. La superposición hecha mantra, la espiritualidad hecha palmera, los Beach Boys tocando con Femi Kuti, Basic Channel jugando con guitarras, Michael Rother surfeando en el desierto de Mojave… todo eso a la vez y sonreír. Y viajar. Todo el rato.

Ela Orleans

Ela Orleans

"En 2010 me puse enferma y decidí que iba a pasar el resto de mi vida haciendo algo que me encanta". Ela Orleans, collagista de pop noir de origen polaco, llevó una vida nómada hasta encontrar cobijo en Glasgow, primero como miembro de Hassle Sound y luego como solista DIY. Tras llevarse el prestigioso premio Dead Albatross por su doble LP Tumult in Clouds, compuso la música de la ópera polaca Wieza, con la que se ganó la admiración de celebridades como David Lynch o Thurston Moore. Su nuevo disco, Upper Hell, transporta su pop crepuscular a territorios más mainstream con la ayuda de Howie B, productor de Björk o U2.

No Joy

No Joy

Los candienses No Joy publican su tercer LP con el sello Mexican Summer (Best Coast, Washed Out, Connan Mockasin, Fresh & Onlys, Real Estate) y el próximo mes de Septiembre lo presentaran en directo en nuestro país tras una extensa gira por USA y Canadá.

Formados por Jasamine White-Gluz y Laura Lloyd en 2009, No Joy recibieron el espaldarazo de Best Coast al poco de iniciar su proyecto cuando Bethany Consentino dijo en las redes sociales que eran “el mejor grupo de la historia”. Tras el exitoso debut homónimo en forma de 7” que publicaron en 2010, en 2011 llegó Ghost Blonde, mezclado por Sune Rose Wagner de The Raveonettes, y Wait to Pleasure en 2013, disco al que Pitchfork valoró con un nada desdeñable 8.

Abanderados del shoegaze del siglo XXI, el ahora cuarteto canadiense acaba de publicar el álbum More Faithful, producido por Jorge Elbrecht (responsable también de Haunted Graffiti de Ariel Pink), en el que desarrollan una estructura musical más rigurosa que encaja en su sonido de guitarras entrelazadas y voces etéreas, al estilo de otros artistas como Wavves, Harvey Milk y Besnard Lakes, y que pone de manifiesto el notable avance que el grupo ha experimentado en la coherencia de su sonido y la interrelación entre sus miembros. El resultado—una yuxtaposición de inquietud y calma, belleza y caos, verdad y fantasía que agoniza en amplificadores al límite—es tan firme como siempre.

LoneLady

LoneLady

LoneLady (de nombre real Julie Campbell) llega desde Manchester. Publicó su primer álbum en 2010, titulado "Nerve Up", y en marzo de este año ha llegado el segundo, “Hinterland”. A ambos los ha puesto en circulación el sello Warp. Su discografía se completa con cinco singles (los tres últimos también con Warp). Factura un post-punk moderno y nada complaciente, más tirante y entrecortado, y también más esotérico y magistralmente deprimente, en su primera entrega, mientras que luce mayor riqueza y amplitud en su sucesor, que es más accesible. En LoneLady las influencias son bienvenidas pero no se calcan, pues se muestra como una habilidosa intérprete pop capaz de recrear desde ecos de Kate Bush hasta otros de la Björk de “Biophilia”, y hacerlo dentro de un molde que revive (aunque desde el día de hoy y además lo hace de frente) el Manchester de 1982 y todas aquellas noches en Hacienda.

Niño de Elche

Niño de Elche

'Voces del Extremo' es el nuevo trabajo de Niño de Elche, producido por Daniel Alonso (Pony Bravo) en colaboración con Raúl Pérez y Darío del Moral, ha sido grabado y mezclado en el estudio La Mina (Sevilla), masterizado por Cem Oral en Jammin Masters (Berlín) y editado por Niño de Elche en colaboración con Telegrama Cultural.

El disco recoge textos de poetas contemporáneos como Antonio Orihuela, Inma Luna, Bernardo Santos o Begoña Abad, enmarcados en la llamada poesía de la conciencia. Siguiendo la línea marcada en anteriores trabajos de Niño de Elche, ‘Voces del Extremo’ no es un disco de flamenco en el sentido clásico, con música basada en palos tradicionales, se trata de un disco de canciones interpretadas en base a técnicas que vienen en algunos casos del flamenco, y en otros, más cercanas a géneros musicales como el kraut rock, el ambient o la new wave de finales de los 70 y principios de los 80.

Tim Hecker

Tim Hecker

Tim Hecker es un compositor canadiense ganador de un premio Juno al que le encanta jugar con el sonido. Un artista que se ha pasado la última década inhabitando una intersección única entre ruido, disonancia y melodía. El resultado es un híbrido ascético con reminiscencias en la abstracción electrónica y el minimalismo psicodélico. Hecker ofusca a propósito la clara distinción tonal de la instrumentación tradicional, prefiriendo cultivar mapas sonoros enigmáticos.

En 2011, apareció en el Top 100 Compositores más jóvenes de 40 de NPR. Su álbum Amor fue reconocido como uno de los álbumes del año 2003 por la revista WIRE. Más tarde con Harmony in Ultraviolet (2006), que le valió comparaciones con Brian Eno y Kevin Shields, se posicionó en el número 13 en la lista de Mejor Álbum del Año en Pitchfork.com. Su más reciente grabación, Ravedeath, 1972, ha sido galardonada con el premio a Mejor Nueva Música por Pirchfork y con el Jumo por Álbum Electrónico del Año.

En 2013 Hecker presentó Virgins, su álbum más visceral hasta la fecha y vendrá a presentárnoslo el próximo 24 de octubre en Madrid.

Zola Jesus

Zola Jesus

Estadounidense de origen ruso (nombre real, Nika Roza Da nilova) que, recién entrada en la veintena, revitalizó la facción gótica del electro-pop con primer paso discográfico, el LP "The Spoils" (2009), cuya música industrial en plan lo-fi la llevó a copar blogs y a girar, entre otros, con Fever Ray y The xx. Pero fue su segundo álbum, "Stridulum III" (2010) -a su currículum hay que añadir cuatro EPs y tres "split albums"-, el que dio el golpe de mano, expresán dose con una consistencia que impactaba, llena de tensión, sobre una ola sintéti ca oscura que se lo debía todo a los 80. Danilova entonaba fantasmales llamadas d e una sirena que es, a partes iguales, Siouxsie Sioux (una influencia suya indu dable) y Liz Fraser de Cocteau Twins. En su tercer disco, “Conatus” (2011), su oscuro melodrama mostraba más nihilismo en la ejecución que su obra anter ior, y también mayor claridad sonora por la vía de una electrónica distante. A quel año, además de caerle su primera portada, la de 'The Fader', colabor ó como vocalista en una canción para M83 ("Intro") y al siguiente en otra para Orbital (“New France”). Desde entonces ha publicado dos LPs más: “Versions” (2013), y “Taiga” (2014). Del primero se escribió en 'The Wire' que era "su proyecto más efectivo hasta la fecha"; se trató de un intento (conseguido) de desenganchar y despojar a su art pop de su “denominación de origen” hasta la fecha, una especie de electrónica apocalíptica de ruido blanco, para llevarlo a terrenos más íntimos y afectuosos, como de pequeñas sinfonías. Del segundo se dijo en 'The 405' que “así suena una artista cuando madura, descubre una confianza que tal vez nunca supo que tenía y regresa, revitalizada”. Se trata de su obra más cercana al “mainstream”, la más aventura pero también la más accesible.

Kiasmos

Kiasmos

El nacimiento de Kiasmos es fruto de una amistad y de varias colaboraciones profesionales previas entre sus dos protagonistas, pero sobre todo de una pasión compartida. La que el islandés Ólafur Arnalds y el feroés Janus Rasmussen (epicentro del grupo Bloodgroup) sienten por el minimalismo experimental. Y dicho y hecho, en Kiamos han establecido la intersección sonora necesaria para darle rienda suelta a eso, un cruce de caminos donde se encuentran la mayor querencia por lo clásico y lo acústico de Arnalds con la más sintética de Rasumssen. Lo han plasmado en disco en 2014, con un álbum homónimo publicado en el sello Erased Tapes y grabado en los estudios de Arnalds en Reykjavik, apoyados por un cuarteto de cuerda, un batería y un piano (el de Ólafur), más diversos sintetizadores y cajas de ritmo a cargo de Janus. El resultado, accesible pero complejo.

Jenny Hval

Jenny Hval

La carrera de Hval, aunque a finales de los 90, a punto de entrar en la veintena, ejercía de vocalista de una banda de metal gótico, de nombre Shellyz Raven, no empezó a despegar de manera oficial hasta 2006, año en que publicó su primer EP (nominado a los Spellemannprisen, los Grammy de su país, en la categoría de “mejor debutante”). En aquel ejercicio también sacó su LP de debut, si bien cuando eso pasó ya se hacía llamar Rockettothesky y bautizada así estuvo hasta el tercer álbum, “Viscera” (2011), con el que volvió a firmar como Jenny Hval. En todos esos trabajos, se llamase como se llamase, estaban presentes las influencias que marcaron su primera etapa, caso de Kate Bush y el pop andrógino de los 80 (ese que podemos identificar con Jimmy Somerville), que ella llevaba hacia terrenos experimentales. Sin embargo, fue en su cuarto disco, “Innocence Is Kinky” (2013), donde su voluntad de riesgo y su compromiso en las letras con la política y la sexualidad pasaron de manera evidente de la teoría a la práctica. Y más lejos todavía ha ido este año con “Apocalypse, Girl”, donde su art-pop, original y provocador, más deconstruido que nunca, hace emerger melodías desde la abstracción y la acerca al carril que transitan Björk o FKA Twigs.

Neneh Cherry

Neneh Cherry

Criada en un ambiente artístico en los años 70, Neneh Cherry estaba destinada al desarrollo de una carrera ligada a las artes. Con su ilustre padrastro Don Cherry como referencia, pero siempre buscando y escarbando en las músicas coetáneas, Neneh emprendió pronto su propio camino y antes de entrar en la adolescencia ya militaba en bandas punk en Londres (entre otras, ni más ni menos que The Slits). Sería en 1989 cuando arrancaría su carrera en solitario con Raw Like Sushi, un brillante pistoletazo de salida con el que la sueca apareció fulgurante en escena. Su inconfundible voz, y una particular mezcla de pop, dance, rhythm and blues, soul y hip hop, la auparon velozmente al estrellato, y le granjearon fama de pionera al firmar las primeras muestras de trip hop meses antes de que se produjera la explosión del género.

Desde entonces, Cherry ha mantenido su voluntad exploratoria y vanguardista, con un ojo exquisito para rodearse de talento. Geoff Barrow (Portishead), Michael Stipe (R.E.M.) o Gang Starr colaboraron en Homebrew, su segundo trabajo de estudio, su dueto con Youssou N'Dour es sin duda una de las canciones más importantes de la música pop contemporánea.

A mediados de los noventa, en el cenit de su popularidad, Cherry decidió alejarse de los focos y dedicarse a la maternidad, y no fue hasta 2012 cuando reapareció en escena gracias a The Cherry Thing, un maravilloso trabajo junto a sus compatriotas The Thing en el que se atreven a versionar, con excelentes resultados, a Suicide, The Stooges, Martina Topley-Bird, o el propio Don Cherry. Finalmente, dieciocho años después de su anterior trabajo en solitario, el pasado 2014 la sueca publicó Blank Project flanqueada por el dúo RocketNumberNine, y con Kieran Hebden (Four Tet) ejerciendo de productor. Un disco crudo, esquelético, primario, en el que las bases de batería y los sutiles arreglos de sintetizador sirven de base para que Cherry despliegue su poderío vocal. Ecos a espirituales del futuro, neosoul, electrónica, hacen de este disco una nueva vuelta de tuerca en su trayectoria y la consolidan como una incansable renovadora de los sonidos con base en la música negra.